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Catégorie : Le bonheur du chant

L’opéra Français les débuts : Lully, Rameau et Campra

L’opéra Français les débuts : Lully, Rameau et Campra

Vous avez lu dans les articles précédents autour de la passion de l’opéra ce qu’est un opéra  nous avons consacré sur ce blog de nombreux articles que vous retrouverez dans la catégorie « Qu’est ce qu’un opera ».

« Il tigrane » un opera italien de Scarlatti

Nous allons nous pencher maintenant en premier lieu sur quelques grands compositeurs d’opéra de chaque pays.

Bien sur tous les compositeurs ne seront pas nommés, nous avons choisi de parler de ceux que nous aimons le plus, ce sont en général ce que le grand public connait le plus.

Le 17° siècle c’est l’époque où toute l’Europe chante l’opéra Napolitain, avec l’époque des Castrats, presque tous formés à Naples où se trouvaient les plus célèbres écoles de chant.

La tragédie lyrique Cadmus et Hermione

La France elle se démarque avec le célèbre compositeur de Louis XIV : Lully.

Sans rentrer dans les détails (nous nous proposons d’écrire un article à ce propos plus tard) les deux écoles s’affrontent, Les Italiens avec  » l’ Opera Seria » puis  » l’Opera Buffa »  et l’école française avec la Tragédie Lyrique.

Cela mènera en 1752 à la fameuse « querelle des Bouffons ».

Jean Baptiste Lully

Les grands compositeurs Français de cette époque sont Lully Rameau et Campra. 

Lully, est un compositeur au style brillant, c’est lui qui pour suivre le gout de Louis XIV met au centre de l’œuvre le ballet de cour, il crée aussi l’ouverture à la française, en deux parties.  Son style est festif, joyeux. Il introduit le récitatif dans la tragédie lyrique ce qui en fait un opéra plus de déclamation que chanté. De nombreux chœurs et bien sur les ballets sont la structure principale de ces opéras.

André Campra

Campra, a grandement participé au renouveau de l’opéra Français. C’est le vrai créateur de l’opéra ballet. De tempérament colérique et très indépendant, il a eu une vie très tourmentée .Campra reste dans sa musique un incontestable séducteur de par l’harmonie parfois audacieuse des  thèmes musicaux et l’équilibre  ample et profond de sa musique.

Jean Philippe Rameau

Rameau est aussi reconnu comme un immense théoricien de la musique,  son oeuvre marque l’apogée de la période classique pour la musique. Son écriture musicale forte et très construite harmoniquement, s’opposèrent alors fortement à la musique italienne.

Ecouter une oeuvre de Jean Baptiste Lully :

Ecouter une oeuvre de André Campra

Ecouter une oeuvre de Jean Philippe Rameau

 

 

Chanter de l’opéra : la respiration

Chanter de l’opéra : la respiration

Nous avons vu dans le premier article combien la position corporelle est importante dans le chant. Dans tous les types de chant. Nous allons voir combien elle est intimement liée avec le positionnement de la colonne vertébrale.

La voix et on instruments à voix. En effet c’est l’air que nous respirons qui rentre dans les poumons,  sort  sous pression et en passant par les deux cordes vocales il vibre est ce transforme en son aussi appelé signal sonore.

Nous verrons plus tard comment s’organise ce mécanisme. Pour le moment voyons la respiration.

Le premier pas vers la respiration est de sentir tout en respirant non seulement la totalité de son corps mais aussi sentir les différents organes, les diverses parties de la respiration.

Je vous propose un exercice pour cela :

Confortablement installé sur une chaise ou allongé, si vous le préférez, mettez vos deux mains sur les genoux ou le long du corps si vous êtes allongé et commencer à sentir, à percevoir la façon dont vous respirez. Vous, pas toutes les personnes, professeurs, amis etc. Vous.

Chacun de nous est unique et différent des autres, il en est de même pour les chanteurs.

  • Respirez lentement, laissez petit à petit s’installer en vous une respiration lente, confortable.
  • Ensuite prenez votre respiration par le nez en comptant jusqu’à 6. Rejetez l’air par la bouche.
  • Refaites la même chose trois fois.
  • Prenez ensuite l’air par la bouche, puis sortez le par le nez, en comptant jusqu’à 6 puis si possible jusqu’à 8.

Ce qui est le plus important ce n’est pas la quantité d’air mais la qualité de la pression d’air.

Voici dans les prochains articles une série d’exercices pour mieux comprendre le corps et la respiration.

Chanter de l’opéra

Chanter de l’opéra

Tout le monde peut chanter, mais pas n’importe qui.

 

Chanter de l’opéra  demande de la persévérance, du courage, beaucoup de travail et d’entrainement vocal mais aussi musical.

Il y a pour un chanteur qui débute plusieurs  points très importants, nous verrons  dans ce premier article le premier point :

La position du corps

Il faut bien se tenir pour bien respirer et laisser la voix envahir toutes les parties résonantes de notre corps.

Que le chanteur soit assis ou debout, il doit avoir les pieds légèrement écartés, de la largeur du bassin, puis, le torse doit être légèrement bombé afin que les épaules ne tombent pas. Tout cela en souplesse et sans tension.

La position du corps varie d’une personne à l’autre, il n’y a pas de règle stricte. Il faut que le corps soit souple, sans tension, tout en restant tonique

L’appuie des pieds sur le sol, avec une sensation d’être enraciner sur la terre comme un arbre, bien stable, est important.

Parfois cela demande du travail car il faut apprendre à se déplacer sur la scène tout en gardant cette stabilité et en même temps une grande souplesse et la liberté de la colonne d’air qui se trouve juste devant la colonne vertébrale.

Trouver sa propre position doit être le premier travail du chanteur apprenti qui doit au fils du temps se construire lui même, se modeler afin de mieux chanter.

Une bonne position corporelle permettra de mieux prendre son souffle et facilitera la qualité sonore et la beauté de votre voix.

Le prochain article parlera du souffle et de la respiration.

Qu’est qu’un » master class » de chant ?

Qu’est qu’un » master class » de chant ?

Cette expression anglaise signifie en réalité « cours d’un maître », elle se traduit en Français par « Classe de maître » : depuis le 16 septembre 2006, le mot « classe de maître » a été en effet adoptée par le journal officiel.

 

Une « classe de maître » de chant se différencie véritablement d’un « cours » de chant en plusieurs points éminemment importants et essentiels :

Lors d’un cours de chant, le professeur qui n’est pas nécessairement un maître de chant, transmets un savoir à l’élève qui découvre ou approfondi une technique vocale, apprends à travaillera voix, fait des exercices, travaille un air…

 
Lors d’un master class, chaque élève passe devant le maître qui n’est pas nécessairement un professeur mais qui est toujours un artiste en carrière, ou qui a été en carrière et peut témoigner de son art et en parler à la personne qui vient non pas pour suivre un cours, recevoir des conseils ou être entendu par quelqu’un mais plutôt suivre l’enseignement de ce maître en particulier, de cet artiste là dont il veut recevoir l’avis, les conseils et l’enseignement.
Il est pour cela important de savoir ce qu’est un maître, et où réside la différence entre un maître et un professeur. Mais aussi de comprendre qu’un artiste, aussi virtuose soit-il n’est pas forcément un maître, car être maître c’est aussi avoir la possibilité de transmettre son art.

Si le mot « maître » en France est auréolé du prestige de « supérieur », ce n’est pas tant pour sa supériorité qu’il occupe cette place mais par le parcours vers l’excellence, vers l’aboutissement de son art.

Ainsi, grâce au maître, au cours du master class, l’élève recevra de son maître, un regard d’artiste, qui a déjà parcouru le chemin que l’élève lui , n’a pas encore parcouru.

L’élève recevra aussi une vision et une esthétique, une idée d’interprétation qui est propre à chaque artiste.
Et il recevra enfin l’excellence d’une interprétation à la hauteur de la virtuosité et du savoir faire de l’artiste qui lui enseigne. Dépouillé de toute difficulté technique car interprété par le maître, le morceau sortira dans un aboutissement sinon idéal du moins sans entraves ou impossibilités interprétatives dues à un manque de technicité.

Le bel canto

Le bel canto

Qu’est ce que le bel canto ?

Le « Bel canto » est un style de vocalité lié à une époque relativement étendue qui va de l’apogée du style flamboyant baroque de la fin du XVII ° siècle à la moitié du XVIII° avec Rossini.

C’est l’art du « Beau Chant » : un idéal esthétique qui met en avant la voix dans ce qu’elle a de plus beau, en particulier le timbre et la grâce des lignes vocales et musicales.

On parle souvent de virtuosité dans l’art du Bel Canto. Il s’agit autant de virtuosité musicale que vocale. Ce style de vocalité est très orné et enrichi par des vocalises et des effets sonores qui servent à souligner des émotions ou des situations.

Les nécessités visuelles et scénographiques de l’expression de la beauté sont souvent mises en avant au détriment des gestes et de la mise en scène.

De nos jours lorsqu’on parle d’Art du Bel Canto, on englobe dans ce terme la notion de chant lyrique pur et de virtuosité vocale au sens large du mot.

On assimile souvent à cette expression l’Opéra italien du XVII° à la fin du XIX° siècle.

Méthodologie et apprentissage vocal

Méthodologie et apprentissage vocal

Il m’arrive très souvent de devoir donner des conseils aux jeunes – et moins jeunes chanteurs pour ce qui concerne la méthodologie d’apprentissage vocal.
Je ne soulignerai jamais trop que tout travail vocal est un travail individuel qui ne peut en aucun cas souffrir de conseils offerts au groupe et non à l’individu.
Cependant, je me rends compte que de plus en plus de jeunes gens ne savent réellement pas comment, quand et combien de temps par jour, étudier.
Je ne donnerai qu’un conseil : trouver son propre rythme de travail est l’une des choses primordiales du travail d’artiste.
Mieux vaut travailler régulièrement : une fois par jour 20 minutes que trois heures d’affilées tous les 15 jours.
Même si certaines personnes ont besoin de travailler tous les jours trois heures et d’autres tous les jours 10 minutes. Quoique je doute que vous puissiez aborder une œuvre en 10 minutes plusieurs fois par semaine.
Travaillez donc régulièrement, le plus souvent possible.

Suivre un enseignement de haut niveau en chant

Suivre un enseignement de haut niveau en chant

Le fait de suivre un enseignement vous donne t – il une liberté ou au contraire est ce un manque de liberté pour vous ?

Je pourrais effectivement dire aussi que cela me cadre… Cependant, il ne faut pas voir le cadre comme une limite mais plutôt comme repère.

Doriane Moreno, contralto in « Open Opera » Nîmes, mai 2014

C’est une liberté car si je chantais sans avoir ces repères sans connaître les sensations justes enseignées par mon Maître, je sais pertinemment que je serais toujours dans le doute (est- ce que je fais bien ?).

La liberté, ce n’est pas faire n’importe quoi, n’importe comment, c’est important de savoir faire, d’apprendre à faire, pour faire juste. Même si le juste et la vérité ne sont pas absolus. C’est important d’être dans sa propre vérité ou du moins de savoir ce que l’on veut, quelles sont nos attentes, et mes attentes concernant le chant et son apprentissage sont : de respecter mon corps et l’être que je suis, respecter la Musique, faire/ créer du beau et de l’harmonie, rencontrer la personne qui pourrait m’enseigner ceci. C’est bien ce que j’ai trouvé.

Ce n’est pas parce que l’on va apprendre les codes que l’on ne pourra pas être soi, faire avec notre propre identité, personnalité et/ou créer, bien au contraire, les codes c’est la base, le socle sur lequel se poser (voire se reposer !), pour s’élever, grandir, se construire en toute sérénité. Encore faut-il avoir la connaissance de soi et de ses objectifs ou de ce que l’on recherche dans cet apprentissage pour être serein.

Évidemment, c’est un apprentissage qui demande beaucoup de rigueur, de volonté, (car il faut travailler sur le corps, apprendre à le connaître pour sentir ce qui est juste ou faux, et beaucoup de personnes doivent apprendre à écouter leur corps ; il faut aussi travailler sur des « difficultés émotionnelles » qui peuvent parfois sembler être des obstacles), et d’introspection. Et c’est peut-être ce côté un peu « étouffant » dans l’apprentissage qui fait que l’on peut avoir l’impression de manquer de liberté. Mais quel bonheur quand on réussi à surmonter ne serait-ce qu’un petit obstacle, quand on fait la lumière sur quelque chose que l’on avait pas compris et qui nous semble naturel après !

           Doriane Moreno

 

Les étapes pour se préparer à bien chanter : préparer son mental / 1

Les étapes pour se préparer à bien chanter : préparer son mental / 1

 

houston

Chanter de tout son être, pour donner immédiatement à ce que nous chantons l’expressivité que nous désirons demande une préparation qui peut être parfois une conscience instantanée qui réunie tout de suite toutes les énergies et les outils dont le chanteur a besoin.

Cette conscience souple et simple peut être moins rapide lorsque le chanter est encore au stade de l ‘apprentissage ou lorsque il est est fatigué, non libre dans son corps et dans son mental.

Notre instrument vocal si complet qu’il soit doit être préparé à accueillir la voix.

Voici la première étape :

Préparer son mentalmental-callas

On parle de plus en plus dans toutes les disciplines du « mental ». Qu’est ce que le mental du chanteur ? Intervient-il dans la préparation de la voix ?

C’est la partie qui appartient à l’esprit, qui fait appel aux facultés intellectuelles.mentale-canto

C’est ce qui permet d’analyser par exemple la hauteur des sons, la quantité de souffle à prendre, les sensations que nous avons en chantant.

Le mental permet aussi de créer, d’imaginer, de calculer, de gérer les peurs, les émotions

Un grand calme est nécessaire pour chanter et exprimer réellement des émotions mais aussi capter toutes les sensations. Ce sera le sujet du prochain article

 

الغناء

الغناء

 

chant

الغناء هو إنتاج بشرى يتواجد بتواجد الثلاث عناصر التالية: الموسيقى والكلمة والصوت، فهو نوع من أنواع الكلام لكنه منغم ومتواصل، ويمكن تأديته بشكل منفرد أو في شكل جماعي والذي يعرف باسم « الكورال »، وقد يكون أداء صوتي منغم بوجود آلة موسيقية أو بدونها

.ومن الأعضاء الهامة التي تتحكم في خروج الصوت هي الرئتين التي يتم طرد الهواء منهما، والحبال الصوتية وما يحدث فيها من اهتزازات عند مرور الهواء بها

إنتاج الصوت يتم تضخيمه من قبل الأجواف الطبيعية منها الأنف، الجيوب الأنفية، تجويف البلعوم والصدر، وربما عبر عنه اللسان والشفتين لتشكيل المقاطع تماما مثل عند الحديث

.إن الغناء شكل من الأشكال الطبيعية في التعبير، ويوجد في كافة المجتمعات والثقافات في كل أنحاء العالم

.في الواقع، الغناء له علاقة مع جميع موارد جسم الإنسان: فيستخدم الجهاز التنفسي، والبطن والظهر والرقبة والوجه

لكل إنسان لون وطبقة صوتية خاصة به، فيوجد الصوت الخشن ويوجد الصوت الرقيق الناعم، وهناك القوي والآخر الضعيف، كما يوجد الصوت الذي يعكس الحنان أو الذي يعكس القسوة

كما أن الأصوات تتعدد حسب مصدرها: فهناك صوت الإنسان، صوت الطبيعة، صوت الحيوانات والطيور، صوت الآلات و الأصوات لا تنتهي ويحل محل الصوت .الصمت بالا نسمع صوتا

.ولا جدال أن أكثر الأصوات إبداعا هو صوت الإنسان، لأنه باستطاعته أن يرتبه كيفما يشاء ويطوعه حسبما يريد

.الغناء ليس فقط باستخدام الصوت والجسد، ولكن أيضا بتفسير ومشاركة العواطف الواردة في النص مع الجمهور

Le corps, instrument de la voix – première partie

Le corps, instrument de la voix – première partie

 

 

apprendre-chantLe corps : instrument de la voix, non « la voix » instrument du chant ou instrument du corps.

Beaucoup de chanteurs, amateurs ou professionnels, évoquent un problème de voix à la moindre difficulté :

« Ma voix a un problème ».

« Qui » est « ma » voix ?

Penser de cette façon ne résout rien et le vrai problème n’est pas pris en compte puisqu’on cherche une solution là où il n’y a pas de problème. Du moins pas de problème au sens où le chanteur l’entend.

La voix est l’émanation de la transformation du souffle en signal sonore.

La voix est une vibration sonore.la-voce

Prenons l’exemple du peintre qui ne pense ni ne dit : « ma couleur a un problème » ou « ma texture a un problème », mais dira « je n’arrive pas à avoir la couleur que je veux » ou « je n’arrive pas à trouver la bonne texture » .

Le peintre est conscient qu’il n’a pas le bon outil à sa dis position, ou la bonne palette de couleur, ou qu’il manque de technique.

vibrazione-vocaleLe son comme la couleur est une vibration.

Avant de parler de « problème » de voix, un bon chanteur doit aller à la source même et penser au son, à ce qui lui manque comme outil, comme savoir ou bien, et c’est tout aussi important : ce qui dans son corps n’est pas en place pour accueillir le son.

 

Portrait de Catherine Frot. Au Theatre Antoine à Paris, le 1 septembre 2015.

 

Avoir une démarche instrumentale est primordial, même si le corps est un instrument doté d’un mental, et d’une mémoire sources de blocages émotionnels.

 

L’attitude du chanteur doit être celle d’un instrumentiste qui même s’il ne peut démonter son instrument, le connait avant tout parfaitement.